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Titolo originale: Fathers and Daughters
Paese: USA
Anno: 2015
Durata: 116 minuti
Genere: Drammatico



Sceneggiatura: Brad Desch
Fotografia: Shane Hurlbut
Montaggio: Alex Rodríguez
Musiche: Paolo Buonvino
Scenografia: Daniel B. Clancy
Costumi: Isis Mussenden
Trucco: John Caglione Jr., Winfrey Izear, Jeannee Josefczyk, Karen Lovell, Jason Renner, Marianne Skiba
Effetti speciali Jake Hays
Produttore: Nicolas Chartier, Sherryl Clark, Babacar Diene, Craig J. Flores, Bill Karesh, Dominic Rustam/b]
[b]Produzione: Andrea Leone Films, Busted Shark Productions, Fear of God Films, Voltage Pictures
Distribuzione: 01 Distribution
Data di uscita: 01 Ottobre 2015 (al cinema)









Padri e figlie – Fathers & Daughters” è una storia d’amore tra un padre e una figlia che vivono a New York City. E’ un racconto originale che si svolge su due piani paralleli ma lontani nel tempo. La trama infatti si sposta avanti e indietro tra gli anni ‘80, il periodo in cui Jake Davis, romanziere premio Pulitzer rimasto vedovo, lotta contro un serio disturbo mentale mentre cerca di crescere nel miglior modo possibile la figlioletta Katie di 5 anni. 25 anni dopo, Katie è una splendida ragazza che vive a Manhattan, da anni lontana dal padre, combatte ancora i demoni della sua infanzia tormentata e l’incapacità di abbandonarsi ad una storia d'amore.







Ma quanta paura fanno i sentimenti ai critici? Quanti di noi si vergognano di piangere al cinema, di commuoversi o semplicemente di apprezzare storie (solo) in apparenza semplici come quella raccontata in Padri e figlie di Gabriele Muccino? A giudicare da alcune reazioni lette e ascoltate dopo la proiezione, viene da rispondere "parecchio". Come se certi generi di cinema fossero a priori ricattatori e sdolcinati e non si tenesse conto del modo in cui i temi vengono declinati e della loro legittimità ad esistere.
Sarà come vi pare, ma Padri e figlie è una lezione di cinema e di regia che arriva da un autore maturato (probabilmente anche come persona) e che serve al meglio col suo stile e la direzione degli attori la storia che ha scelto di raccontare, una sceneggiatura di Brad Desch che dal 2012 girava per le scrivanie di Hollywood, letta, apprezzata, perfino recensita (vedere qua) e alla fine realizzata.
Di fronte ai tanti film che vediamo dalla prevedibile trama lineare, con dialoghi che suonano finti come una moneta da cinque euro, è un piacere assistere a una storia ben scritta, con personaggi interessanti e plausibili (sia pure upper class), che parlano e si comportano come la gente farebbe davvero in certe situazioni e che rendono più facile l’identificazione. Quello di scivolare nella retorica è un rischio calcolato quando si parla di amore, famiglia, lutto, perdita, speranza, disperazione, malattia e guarigione, creatività, aridità e morte ovvero della vita nelle sue componenti ed emozioni più essenziali e tragiche, che mettono a nudo la vulnerabilità dell’essere umano.
Grazie alla qualità della scrittura ma anche ad una regia attenta e contenuta, Muccino riesce ad evitare queste trappole. C’è una dignità di fondo nel personaggio interpretato con grande sensibilità e convinzione da Russell Crowe, che lavora egregiamente sul contrasto tra il suo fisico imponente e la sua incapacità di dominare una condizione che lo devasta. Ma non è certo l’unico del variegato cast a spiccare, dal momento che il regista romano è uno di quelli che gli americani definiscono an actors’ director e ottiene sempre le performance migliori dai suoi interpreti. Oltre alle due piccole Quvenzhané Wallis, indimenticabile protagonista di Re della terra selvaggia, e alla straordinaria Kylie Rogers, scelta anche da Steven Spielberg per la serie The Whispers, ognuno rifulge nel suo ruolo. Da Bruce Greenwood nel ruolo dell’autoritario e falsamente comprensivo cognato a Diane Kruger in quello della zia “stronza” che nasconde il dolore di non aver mai conosciuto l’amore in vita sua.
Nella parte contemporanea brillano Amanda Seyfried, molto credibile nella sua autodistruttiva fragilità, Aaron Paul, Octavia Spencer e Jane Fonda. Tutt’altro che sprecate sono le partecipazioni di questi attori famosi, che Muccino dimostra di apprezzare come interpreti, parte di un insieme collettivo, e non come icone immediatamente riconoscibili.
E se lo può permettere, come si può permettere di scegliere una delle canzoni più belle e struggenti di Burt Bacharach, Close to you, come simbolo del legame tra padre e figlia nel film. Qua e là ci sono anche le sue firme, le strade bagnate dalla pioggia, la canzone dell'amico Lorenzo Jovanotti (appena accennata) e un paio di piani sequenza virtuosistici. A merito del regista va anche quello di aver reso naturali e impercettibili in fase di montaggio i continui passaggi temporali dal passato al presente, che risultano naturali e mai forzati.
Alla fine, secondo noi, la sua scommessa è vinta e anche se le battute sui critici paragonati come utilità agli scarafaggi non sono farina del suo sacco, immaginiamo che un certo gusto l’avrà provato nel sentirle pronunciare dal suo protagonista. Tra il pubblico di questo film - un tearjerker non smaccato e piagnucoloso - qualcuno si commuoverà, altri semplicemente rifletteranno sui propri rapporti coi genitori o coi figli, altri ancora parteciperanno in altro modo alla storia, qualcuno storcerà il naso giudicandola troppo melodrammatica. Ma come Truffaut faceva dire a Mathilde/Fanny Ardant in La signora della porta accanto, le canzoni più sono stupide e più sono vere, parlano direttamente al cuore e non al cervello di chi le ascolta, così come la vita e come certi film.

La frase: "Non riesco a capire perché Dio abbia inventato due cose: gli scarafaggi e i critici".

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